"Angostura” fue uno de sus primeros lienzos. El color del río Orinoco
serpenteando sobre la tierra y el movimiento continuo de sus aguas
marcando tiempos, ritos y sueños… Tales son los elementos de un paisaje
que siempre estuvo y estará en las piezas del legado de este artista
venezolano.
Soto fue un creador que, amando el movimiento fue capaz de
interpretarlo, hacerlo suyo, dominarlo con la magia que nace de lo más
divino que habita las humanas pasiones.
Con esa militante rebeldía que nace de las búsquedas, de las
preguntas con y sin respuestas, nos regó los ojos, las manos y la
percepción, mediante el ir y venir de los colores y las formas.
Carlos Cruz-Diez Nacido en 1923 en Caracas, Cruz-Diez vive y
trabaja en París desde 1960 y dirige además talleres en Panamá, Miami y
Caracas. Surgió como artista a mediados de la década del 50 en París, en
pleno apogeo del movimiento Arte Cinético. Sin bien fue amigo de varios
de los artistas del grupo, nunca fue oficialmente incorporado a él. Ha
dedicado toda su obra a mostrar cómo el color puede transformarse en un
acontecimiento autónomo capaz de invadir el espacio.
En 1945, Cruz-Diez se graduó en artes manuales y aplicadas en la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas de Caracas, y comenzó a trabajar en la agencia publicitaria internacional Mc Cann-Erickson. Para cuando cumplió 25 años, había ascendido al puesto de director artístico de la agencia, pero continuó trabajando como artista a tiempo completo y enseñando Historia de las Artes Aplicadas en la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas entre 1953 y 1955. Luego, en 1957, abrió en Caracas el Estudio de Artes Visuales, un taller de diseño gráfico e industrial donde inició la serie Fisicromías. En 1958 regresó a la Escuela, donde se desempeñó como profesor y director asistente; luego en la Université d’Enseignement de Recherches entre 1972 y 1973; y como profesor y director del Art Unit of the Institute of Advanced Studies, IDEA, Caracas, desde 1986 hasta 1993.
Las obras de Cruz-Diez integran las colecciones permanentes de instituciones como el Museum of Modern Art (MoMA), Nueva York, la Tate Modern, Londres; el Centre Georges Pompidou, París; el Museum of Fine Arts, Houston; el Musée d’Art Contemporain de Montreal; el Wallraf-Richartz Museum, Colonia; y el Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, entre otras.
En 1945, Cruz-Diez se graduó en artes manuales y aplicadas en la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas de Caracas, y comenzó a trabajar en la agencia publicitaria internacional Mc Cann-Erickson. Para cuando cumplió 25 años, había ascendido al puesto de director artístico de la agencia, pero continuó trabajando como artista a tiempo completo y enseñando Historia de las Artes Aplicadas en la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas entre 1953 y 1955. Luego, en 1957, abrió en Caracas el Estudio de Artes Visuales, un taller de diseño gráfico e industrial donde inició la serie Fisicromías. En 1958 regresó a la Escuela, donde se desempeñó como profesor y director asistente; luego en la Université d’Enseignement de Recherches entre 1972 y 1973; y como profesor y director del Art Unit of the Institute of Advanced Studies, IDEA, Caracas, desde 1986 hasta 1993.
Las obras de Cruz-Diez integran las colecciones permanentes de instituciones como el Museum of Modern Art (MoMA), Nueva York, la Tate Modern, Londres; el Centre Georges Pompidou, París; el Museum of Fine Arts, Houston; el Musée d’Art Contemporain de Montreal; el Wallraf-Richartz Museum, Colonia; y el Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, entre otras.
Empezó a rasgar cuerdas y guitarras cuando tenía doce años, tiempo en el que también copiaba las reproducciones de cuadros, publicados en revistas, libros y almanaques.
De las cuerdas al pincel
A los dieciséis años consiguió un trabajo como pintor de afiches para los tres cines que funcionaban en Ciudad Bolívar por aquel tiempo. En esa ciudad obtuvo una beca para estudiar en la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas de Caracas, en septiembre de 1942, continuó su formación participando en los Cursos de arte puro y de Formación Docente en Educación Artística e Historia del Arte. En esos andares conoció a Carlos Cruz-Diez y Alejandro Otero.
Desde 1943 y hasta 1949 Soto expuso cada año en el Salón Oficial de Arte en Caracas. Su pintura de esos tiempos estaba cruzada de influencias y búsquedas personales, la mirada de Cézanne fue decisiva a finales de la década.
En su primera exposición individual, a inicios de los añosl 50 del siglo pasado, presentó catorce cuadros entre paisajes, retratos, naturalezas muertas y algunos dibujos del Taller Libre de Arte de Caracas.
El 16 de septiembre de 1950 partió rumbo a Europa, donde además de encontrarse con Alejandro Otero, Mercedes Pardo, Rubén Núñez, Perán Erminy y otros artistas que ese año formaron la revista y el grupo Los disidentes, descubrió de la mano de Aimée Battistini, el arte moderno. En 1951, ya sin la beca que le permitía su estancia en París, volvió a las cuerdas con cierto éxito y deleite en la noche parisina.
A fines de ese año participó en la exposición Espacio-Luz y comenzó sus primeras obras basadas en la repetición y la progresión. Los años que siguieron estuvieron signados por la búsqueda que culminó con la creación definitiva del arte cinético, y el 30 de junio 1957 cuando expuso sus Estructuras cinéticas en el Museo de Bellas Artes de Caracas.
Esa muestra representó para el un punto de inflexión. Abandonó el plexiglas para construir sus primeras estructuras cinéticas en metal soldado. En 1960 le otorgaron el Premio Nacional de Pintura por una vibración blanca expuesta en el Salón Anual. Fue a principios de esa década cuando sus obras empezaron a hablar en un lenguaje geométrico elemental.
Entre otros premios recibió la Medalla de Picasso de la Unesco, 1981, designado Miembro Titular de la Academia Europea de las Ciencias, las Artes y las Letras, en París 1981; el Premio Pedro Ángel González, Gobernación del Distrito Federal Caracas, en 1995; el Gran Premio Nacional de Escultura de Francia, ese mismo año y además el Gran Cordón de la Orden del Libertador, en Venezuela, en 1996.
Uno de sus más importantes aportes fue procurar que el espectador se sintiera partícipe del arte. Tal vez por eso muchas de sus obras son esculturas integradas a la arquitectura. El arte de Soto, cinético en su más pura esencia, es además de participativo, lúdico. La obra lo es en la medida en que quien se acerca forme parte de ella.
Esto es posible constatarlo en el Museo de Arte Moderno Jesús Soto, en Ciudad Bolívar, creado por el arquitecto Carlos Raúl Villanueva en 1971, aunque abrió sus puertas dos años después.
En sus siete salas y en sus jardines se encuentra la muestra de arte constructivista más importante del país, muchas de las obras exhibidas pertenecían a su colección personal. Tres de las salas están dedicadas exclusivamente al artista. En los espacios exteriores están algunos de los penetrables, rodeados a menudo de niños y niñas que visitan diariamente el museo.
Como escribió una vez Carlos Servando García, Soto “siempre será Soto y único, un maestro del crear y el descubrir, (que) hoy duerme entre nosotros, pero vive como la luz y el viento en cada una de sus obras y solo descansará cuando su cuerpo repose cerca de su amado río”.
Falleció el 14 de enero de 2005.
Puedes COMPARTIR esta entrada en tus redes sociales: Twitter; Facebook; Google+
Con solo presionar un botón. ¡gracias por compartir!
Con solo presionar un botón. ¡gracias por compartir!
Regístrese, comente y participe en mi blog como escritor invitado: ¡Anímese sus inquietudes cuentan en este blog!
No hay comentarios:
Publicar un comentario